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Curso de Fotografia de Naturaleza Desde un Punto de Vista Artístico E Intimista



(Es un curso de orientación artística no técnica destinado no solo a fotógrafos si no también a pintores, poetas y a todas aquellas personas amantes de la naturaleza)





PROGRAMA


UNA VISION INTIMISTA DE LA FOTOGRAFIA DE LA NATURALEZA


HAY LUGARES...


LA OCASION


LA IMAGEN


COMPOSICIÓN


COMPOSICIONES ORIGINALES


LA ARMONIA


LA CARGA POÉTICA


LO SUTIL


LO ABSOLTO


LO SUBLIME


MATERIA Y ENENRGIA


LA LUZ


EL CONTRALUZ


EL COLOR


ELEMENTOS CLIMATOLÓGICOS


FANTASIA


ZEN






“Toda obra de arte es un puente de materia entre dos espíritus;
lo que importa es el poder que posee el artista de construir un puente entre su alma y la nuestra; el poder de hacer pasar del autor al espectador lo que podríamos llamar el espíritu de la materia; el triunfo del arte sobre la naturaleza.” Salvador de Madariaga.

“El artista ejerce sobre la naturaleza tanta influencia como de ella recibe, o en otras palabras, la naturaleza es, en gran parte, lo que en ella ve el que la mira.” Salvador de Madariaga.


UNA VISION INTIMISTA DE LA FOTOGRAFIA DE LA NATURALEZA


Quiero mirar la naturaleza por el ojo de la cerradura de mí espíritu.

Nunca he perseguido el valor documental de las imágenes sino su valor artístico.

Quiero con esta obra reivindicar una visión más artística de la fotografía de la naturaleza.
En mi opinión se ha abusado de su función documental, necesaria por otra parte,
pero no por ello excluyente.

No me interesa si lo que estoy fotografiando es un alcatraz o un flamenco,
lo que me importa es que el pájaro contenga una carga poética.

No me interesa si el árbol es un alcornoque o un álamo,
lo que me importa transmitir es su esfuerzo por crecer.

Si fotografió una nube quiero que se intuya el viento

Con la fotografía trato de comunicar la misma impresión, la misma emoción que me está produciendo la realidad; me preocupa fotografiar lo que siento más que lo que veo.

Busco “el espíritu de la materia”, la energía creadora que puedo sentir tanto en un árbol
que estalla de vida como en una flor que se marchita, en la robustez de una formación de lava
como en la evanescencia de una formación de nubes, en la apoteosis de una atardecer
como en la discreta rama.

Al sentir me siento: me siento en la soledad del árbol, en la hoja que se resiste a caer,
en la luz que agoniza...

Fotografiar aquello con lo que me identifico, es lo que me permitirá crear imágenes artísticas: aquéllas que forman parte de mí.

Sentirte en lo demás es hacerlo tuyo.

El arte es búsqueda de identidad


HAY LUGARES...

Cada fotógrafo debe buscar aquellos paisajes que le inspiren, que coincidan con su estética, en los que se encuentre así mismo y pueda comunicarse desde su intimidad.

Personalmente me he sentido más identificado con los espacios abiertos, me ha atraído más la majestuosa soledad de un árbol en la llanura que los espesos bosques.

Estos me abruman para fotografiarlos suelo aprovechar la penumbra o la niebla que los vacían.

Busco espacios limpios, lugares donde pueda ordenar los elementos, donde los domine.

Las marismas cumplen a la perfección estos requisitos. Grandes horizontes de agua y cielo fundidos con la luz adecuada en una unidad armónica y estética.

El agua siempre ha sido un polo magnético para todo fotógrafo de la naturaleza.

No solo busco el lugar sinio su momento más propicio. Hay sitios que tienen amaneceres espectaculares y atardeceres insulsos.

Por ejemplo, en las marismas del Delta del Ebro los mejores momentos los he encontrado al amanecer, mientras que en las de Huelva han sido al atardecer

Hay lugares que por su singularidad tienen un gran atractivo fotográfico. Entre los que visité destacaría Lanzarote y en concreto su parque natural Timanfaya.

Sus paisajes dinámicos de lava, simbolizan el ímpetu de todo principio, la violencia de este frenético cosmos.

Son lugares donde siento a la materia como organismo vivo y en los que a la vez me siento materia.


LA OCASIÓN


El fotógrafo debe estar siempre alerta y reaccionar en cuestión de segundos ante una situación única que sin duda no se volverá a repetir.

Lo imprevisible constituye la esencia, la fascinación y el reto de esta bella actividad.

“Creo que lo más peligroso que un fotógrafo puede hacer es salir con una fotografía fijada en su mente. Mientras estas pensando en lo que quieres que ocurra, posiblemente te pierdes lo que está ocurriendo.” Jay Maisel

LA IMAGEN

Pretendo desvincular a la imagen por completo del exterior, que sea un mundo encerrado en sí mismo, que se pertenezca así misma.
Que uno no sienta la necesidad de preguntarse que hay más allá.

Aislar a la imagen del todo del cual se extrae, cerrarla hasta que pertenezca a vuestra conciencia

“!Cerrar el espacio! ¡Cerrar la bolsa del canguro! ¡Está caliente!” Maurice Blanchard

La fotografía la entiendo como un viaje interior, como una introspección


CONDICIONANTES DE LA IMAGEN


La fotografía es una superficie inmóvil y muda” Wilem Flusser

Es estática y bidimensional, supondrá un reto para el fotógrafo crear la ilusión de superar dichas limitaciones

Todo el logro del fotógrafo se debe centrar en esquivar estos límites, en camuflarlos, en la medida de lo posible anularlos, que al fotografiar una rama no sintamos que es la parte de un árbol sino que por si misma tenga entidad propia.


POTENCIAR LA IMAGEN


Al hacer fotografías siempre me hago estas preguntas:

¿Qué puedo resaltar?
¿Qué puedo afirmar?
¿Qué puedo contrastar?
¿Qué puedo acentuar?
¿Qué puedo revelar?

Mi idea al crear una imagen es acentuar un concepto, ya sea el color, la luz, la composición, la textura, la geometría, la niebla, el rocío, el viento, la soledad(un árbol o un pájaro solitario) la inmensidad(un hombre empequeñecido frente aun paisaje)

Se trata de acentuar o potenciar un elemento ya sea material o emocional para reafirmar la imagen para darle una entidad propia, para que por si misma constituya un todo en sí mismo y pueda así contrarrestar al todo de la cual se ha extraído.


Si nos encontramos ante un cactus lo primero que nos llama la atención de él es la perfecta simetría de sus formas, para potenciar este orden realizaremos una composición simétrica, simetría potenciada con más simetría, se trata de afirmar una sola idea y así potenciar la imagen.

Podemos usar un contraluz para resaltar un solo concepto el de la silueta, renunciando a las texturas al color a los demás componentes del sujeto.


Quiero que mis fotografías sean lo más herméticas posibles, que sean un mundo encerrado en sí mismas. Cuanto más herméticas, más intimas.

Quiero desvincular por completo a la imagen de la realidad exterior
que solo se pertenezca así misma



EXPANSIÓN – CONTRACCIÓN



Lo único que quiero es un punto de fuga

“Busco en cajas profundas, profundas como si ya no fuesede este mundo” Jules Supervielle

“Quizás hayas notado que en mis cuadros existen dos características: O bien se trata de superficies expansivas que se dilatan hacia el exterior en todas direcciones, o bien superficies que se contraen y retraen hacia el interior en todas direcciones. Entre estos dos polos encontrará todo lo que tengo que decir” Mark Rothko

Como decía Julio Cortázar “Una película es un orden abierto, novelesco una fotografía presupone una ceñida limitación, pero al mismo tiempo ese cierre actúa como una explosión que abre de par en par una realidad mucho más amplia, como una visión dinámica que trasciende el campo abarcado por la cámara.”


PROFUNDIDAD



Si lo que queremos es anular la limitación de la bidimensional dad
Usaremos en nuestras imágenes líneas diagonales que al seguirlas con la vista te introducen de fuera a dentro de la imagen o líneas curvas que crean relieve en la imagen y por lo tanto profundidad.

Así mismo partir de un primer plano en sombra para reflejar un segundo plano de luz o a la inversa o simplemente un buen uso de la sombra de un árbol nos sirve lo mismo para engañar a la bidimensional dad.

Anulamos un límite, la bidimensional dad, afirmamos una sola idea, la profundidad

Una forma recurrente para crear el efecto de profundidad consiste en reflejar unos sujetos de igual medida que van gradualmente disminuyendo de tamaño en la distancia guiando nuestro ojo hacia el interior de la imagen. (perspectiva)

La perspectiva lineal se basa en la convergencia gradual de diversos planos o líneas a medida que estos se alejan de la cámara.

Un ejemplo típico de perspectiva lineal sería una carretera.

El río que se van estrechando en la distancia van dirigiendo el ojo hacia el interior de la escena. Lo mismo ocurre con los vallados o los árboles que van disminuyendo de tamaño a medida que se internan en la distancia.



DINAMISMO



Para plasmar el dinamismo usualmente recurrimos al agua, al viento sobre el follaje, a animales en movimiento o incluso a seres vivos como los árboles, aparentemente estáticos, pero que dependiendo del ángulo desde donde los captemos nos resultarán más o menos dinámicos.

Los árboles crecen, es decir se mueven.

Si lo que queremos es contrarrestar el estatismo que todo árbol tiene tendremos que buscar el ángulo que enfatice más su crecimiento, que lo haga más visible. Este será sin duda el contrapicado que por naturaleza alarga. Los árboles se desarrollan sobre todo en vertical.

Esta perspectiva deforma lo que se encuentra en primer plano, en este caso el tronco, de tal forma que nos transmite una impresión del árbol mucho más robusta que si lo fotografiamos al nivel de nuestros ojos.

No solo estamos realzando la cualidad dinámica del crecimiento (el contrapicado por naturaleza alarga) sino la potencia que todo árbol necesita para crecer; ganando la imagen en dinamismo y en vitalidad.

Pretendo a través de un elemento estático como lo es un árbol superar os hándicaps
contrarios al movimiento, el árbol en sí y la imagen detenida en el tiempo. Su logro provoca un efecto sorpresa en el espectador.

Los árboles son columnas que crecen en movimientos retorcidos, se trata de reflejar su esfuerzo, su empuje, su voluntad, su espíritu vivo.


CONTRASTES



Por último está la búsqueda de los contrastes, la reafirmación de la imagen frente al todo de la cual se ha sacado, su potenciación como entidad propia y como obra de expresión. Contrastar es acentuar. Acentuar el color, la luz acentuar algún elemento para suplir su condición de limitación.



COMPOSICIÓN



La composición está completamente a cargo del fotógrafo, y hasta ahora no se ha diseñado ninguna cámara que la haga automáticamente.

El formato del marco puede ser horizontal, vertical, cuadrado o incluso panorámico

Como regla general, el punto de interés de una fotografía debería ubicarse algo descentrado con la finalidad de conseguir crear cierta sensación de movimiento y dinamismo.

Una buena composición acostumbra a conducir la mirada a un único elemento principal para, acto seguido, invitarla a recorrer el resto de los elementos subsidiarios.



REGLA DE LOS 2/3


Una de las reglas más recurridas de la composición que también rige para pintura es la de los dos tercios que deriva del concepto de la sección áurea, una formula matemática de la Grecia clásica que describe una relación entre las partes, que produce resultados agradables.

Los 2/3 pueden ser o de cielo o de tierra lógicamente irá en función de lo que nos despierte más interés.Si el cielo es sugerente(nubes extrañas, atardeceres o amaneceres)

Si lo que queremos es realzar la textura de un paisaje (volcánico por ejemplo) colocaremos la línea del horizonte en lo alto de tal modo que el paisaje ocupe 2/3 de la imagen

El objeto situado en la intersección de dichos tercios se convertirá en el punto central de interés


EL CINCUENTA POR CIENTO


Este tipo de composición es propicia para resaltar la simetría de los reflejos

Son imágenes simétricas en las que nos interesa realzar la serenidad y la quietud



LAS LINEAS

La línea es la máxima síntesis de la forma.

“La línea sueña” Kandinsky

Las líneas que recorren la imagen pueden ser horizontales, verticales, curvas, diagonales.

Las líneas horizontales son estáticas.

Las oblicuas o diagonales crean profundidad,

Las curvas son siempre dinámicas, nos dan sensación de relieve y profundidad


LOS MARGENES


Los márgenes no deben interrogar el exterior, sino afirmar el interior

Si pierden su protagonismo desvincularan la imagen del exterior creando un mundo propio

Él margen es el vinculo de la parte con el todo.

Cuanto más anulemos los márgenes más intimista será la imagen

Fotografiar es separar por eso el mérito consistirá en unir.

Los márgenes son los que rompen la armonía de la continuidad.

Son en los márgenes donde debemos concentrarnos a la hora de componer será por donde cortemos lo que hará que la imagen resulte o no armoniosa

Si los márgenes se situan en el agua no cortan nada relevante.

Dejan así de simbolizar la constatación de un mundo exterior.

Se trata de esquivar las paredes físicas de la fotografía, no de sentirlas como tales

El vacio encierra a la imagen en sí misma, la aísla en un mundo intimista, desvinculándola del exterior

Quiero esquivar las paredes físicas de la fotografía.



LA HORIZONTALIDAD Y LA VERTICALIDAD


La primera decisión que hay que tomar al realizar una fotografía es si se hace vertical u horizontal. Los únicos que no tienen que tomar esta decisión son los que fotografían en 6 x 6, el único formato cuadrado del mundo muy poco extendido entre los fotógrafos de la naturaleza.

Por lo general se tiende a fotografiar de una forma horizontal por muchas razones. Primero porque la visión del ojo humano es horizontal más que vertical, segundo por una cuestión de comodidad siempre son más fáciles de agarrar las cámaras en una posición horizontal sobre todo en un trípode y en tercer lugar por una influencia de los medios tanto en la televisión como en el cine nos muestran siempre imágenes horizontales.

Quizá por eso la fotografía puede aportar imágenes más novedosas si se realizan con un encuadre vertical nunca visto en los otros medios.

Según el encuadre que se utilice la fotografía nos proporcionará unas u otras sensaciones.

El encuadre horizontal nos transmitirá una imagen reposada, mientras que el encuadre vertical creara imágenes de mayor tensión, más solemnes.


SIMPLIFICAR


El pintor parte de un lienzo vacio su dificultad es llenarlo

El fotógrafo parte de un encuadre lleno, su dificultad es vaciarlo

Cuando miras por la cámara te das cuenta que la naturaleza se te presenta siempre de una forma abrumadora, confusa, caótica, imposible de ordenar, se desborda por los limites de tu visor, como agua que rebosa un pozo.

El fotógrafo deberá buscar imágenes con muy pocos elementos, cuanto menos tenga más factible será de ordenar. La capacidad de síntesis se convierte así en un requisito imprescindible



Es todo un proceso de supresión de elementos hasta alcanzar la idea que solamente intuía pero que reposaba en el fondo de todas las imágenes que me han llevado hasta ella

Antes tengo que ir eliminando todos los envoltorios que la cubren
Como quien desempaqueta un regalo; solventando los obstáculos en un proceso in crescendo de menos a más.

Poco a poco me voy acercando a lo que busco, pero sólo cuando lo encuentro sé realmente lo que estaba buscando.

Cuanto más vacio más encuentro.

El fotógrafo de la naturaleza es un artesano del orden usando como materia prima el caos.

Busco que la imagen pueda con la naturaleza, no la naturaleza con la imagen

Las fotografías cuanto más simples sean más efectivas, más directas más impactantes, no habrá elementos superfluos que confundan y distraigan nuestra atención.



FONDOS SIMPLES


Los fondos cuanto más uniformes y monocromáticos mejor, nos ayudarán a crear imágenes simples y limpias donde los sujetos y sus formas estarán bien definidas y no se confundirán con el fondo lo cual produciría una imagen confusa y caótica.

Lo ideal es que el sujeto destaque del fondo en lugar de confundirse con él. Se trata de mantener al sujeto bien enfocado contra un fon-
do desenfocado.


Los fondos monocromáticos naturales como puede ser el agua de un río, la tierra son muy prácticos porque ya no tendremos la necesidad de difuminarlos.

Hay fondos que lo que nos interesa es que salgan con una gran nitidez por que nos sirven muy bien de contraste. Son por ejemplo fondos rocosos cuando estamos fotografiando flores que brotan de las rocas.



PROFUNDIDAD DE CAMPO:


Para aislar a los sujetos del fondo es muy útil recurrir a la reducción al máximo de la profundidad de campo esto es una gran abertura del diafragma y una velocidad consiguientemente más rápida.

El diafragma además de dejar entrar más o menos luz, es capaz de variar la profundidad de la zona aparentemente enfocada. Cuanto más cerrado el diafragma la fotografía tiene una mayor zona enfo-
cada por delante y por detrás del sujeto. Cuanto más abierto la zona enfocada será menor.

Existen tres factores que afectan a una profundidad de campo:

La apertura del diafragma, la distancia del fotógrafo al sujeto y
La distancia focal del objetivo que utilice.

A menor apertura del diafragma f-22 se obtendrá una zona de mayor nitidez.

Si en cambio utilizamos una gran abertura f2 - f8 tan solo estará nítido el sujeto mientras que el fondo y el primer plano quedarán claramente desenfocados.

La distancia existente entre el fotógrafo y el sujeto también afecta a la profundidad de enfoque. Al acercarse al sujeto la profundidad cada vez será menor.

El objetivo utilizado para tomar la fotografía también influye. Cuanto más corta sea su distancia focal, mayor profundidad de campo se obtendrá, siempre que el diafragma y la distancia del fotógrafo al sujeto sean los mismos.

COMPOSICIONES ORIGINALES

El fin de la composición es atraer la atención.


PICADO-CONTRAPICADO


Son frecuentes los momentos en los que no encontramos ninguna imagen que fotografiar sin duda la mayoría por eso hay que estar buscando siempre composiciones originales y sin duda el picado y el contrapicado constituyen dos tipos de perspectivas que suelen dárnoslas entre otras cosas por lo poco acostumbrado que estamos a ellas ya que nadie suele ir mirando ni hacia arriba ni hacia abajo.

Son perspectivas muy audaces que pocas veces defraudan. La osadía en la composición da muchos frutos.

Son lugares privilegiados para hacer contrapicados los puentes y en los bosques suelen resultar muy bien los contrapicados tumbándose en el suelo y sacando los pináculos de los arboles. Estos adquirirán mayor dinamismo fotografiados así, por que nos reflejan mejor la grandeza de su crecimiento.

Cuando no se encuentra una foto hay que buscar estos ángulos, que al fin y al cabo la esencia de la fotografía es mostrar algo de una forma original y novedosa.



COMPOSICIONES ABSTRACTAS


Muchas veces una abstracción es una salida ante la imposibilidad de hallar algo mejor

Son composiciones en la que las referencias, proporciones, escalas desaparecen.

Nosotros reconocemos a los objetos por su contorno, los bordes son lo que nos definen los objetos en el espacio.

Si un objeto es retratado de manera que quedan excluidos sus bordes, lo que nos resulta familiar deja de serlo, aunque sea momentáneamente, porque nos veremos obligados a examinar para reconocerlo otros elementos en vez de su forma.

No debemos obsesionarnos por el significado de una imagen abstracta. Con el disfrute de sus colores de sus texturas y de sus líneas debería bastarnos.

El interrogante que plantean llama la atención del espectador, suscita su curiosidad y retiene su mirada hasta que su intriga quede saciada

Cuando realizamos una composición abstracta es bueno situar el enfoque sobre aquellos elementos que más le atraigan: las líneas
más sinuosas; los contrastes entre colores y texturas más intensos; los juegos de luces y sombras más impactantes.


MOTIVOS PARA FOTOGRAFÍAS ABSTRACTAS


Fotografiando solo el reflejo del agua se pueden tomar imágenes abstractas interesantes.

El hielo constituye sin duda un elemento muy propicio para la abstracción.

Los troncos de los árboles son también muy recurridos para este tipo de composición y suelen ser muy agradecidos.

En general todas las texturas sirven para realizar este tipo de composiciones un suelo cuarteado por la sequía, las líneas de la erosión de una montaña, las ondas que el viento surca en la arena.


TEXTURAS


Las texturas tan recurridas para crear composiciones abstractas nos dan información sobre una superficie – lisa, suave, vellosa, rugosa –
Deleitando no solo a nuestro sentido de la vista sino también a nuestro tacto

La textura lo primero que se ha de evitar es realizarla en un día con el cielo muy cubierto, ya que este tipo de iluminación produce pocos juegos de luces y sombras. Del mismo modo la luz frontal también es perjudicial por que no reflejan los posibles juegos de volúmenes.

Los días de lluvia son los mejores para fotografiarlas por que con el agua resaltarán más.

Las mejores luces para fotografiarlas son las de perfil que causan sombras en las depresiones realzando así las iluminadas protuberancias. Son las sombras las que proporcionan volumen a una superficie

Las fotografías de texturas requieren una gran nitidez, porlo que el uso del trípode resulta muy recomendable


LA ARMONIA


La armonía es unir la parte con el todo, comprimir el todo en la parte.

En la armonía no falta ni sobra nada.

Conseguir la armonía en una imagen es como pretender que arrancándole el pétalo a una flor, ese pétalo contenga comprimido toda la belleza de la misma flor.

La naturaleza en su conjunto es armoniosa pero cuando tenemos que arrancarle un trozo, este tiene que sintetizar a la totalidad de la cual se desprende

Y toda parte frente al todo de la que se desprende lo que necesita es reafirmación, para que por sí misma tenga entidad propia para que por sí misma sea un todo.



SIMETRIA – ASIMETRIA


“Al fin y al cabo la simetría suprema es la nada” E.D´Eichthat

“El ritmo es al tiempo lo que la simetría al espacio”

Las composiciones pueden ser: Simétricas o asimétricas.

La simétrica es una composición estática en la que prima sobre cualquier otro elemento el orden, el perfecto equilibrio en el que nada aparece descompensado.

La única emoción que podremos transmitir con ella es la de la belleza.

Son composiciones que resultan frías pero muy útiles para lograr la armonía aunque sea una armonía facilona como conseguir armonía musical a base de compases rítmicos, son armónicos pero no puedes transmitir con ellos emociones complejas que sí
puedes transmitir con melodías (tristes, alegres, pasionales, serenas)

Las composiciones asimétricas son por naturaleza más dinámicas que las simétricas.

Suelen usarse para realzar una carga emocional, por ejemplo si queremos resaltar la soledad de un árbol en medio de una meseta, si a este lo colocamos en el centro será una imagen armónica, simétrica pero no destacaremos su soledad, pero en cambio si realizamos una composición asimétrica, es decir el árbol lo dejamos a un lado para resaltar el enorme y desproporcionado vacío que lo rodea, si conseguimos captar su soledad, simbolizada por ese desequilibrio que la potencia.

Las emociones no tendrán cabida dentro de una simetría matemática, para transmitirlas a través de las imágenes exigen imágenes desequilibradas, asimétricas

Según lo que queramos resaltar convendrá utilizar una composición u otra.

Por ejemplo si queremos destacar las perfectas formas simétricas de un cactus, utilizaremos la simetría pero si queremos resaltar la soledad de un árbol utilizaremos composiciones asimétricas.

EQUILIBRIO DE MASAS


La armonía es equilibrio y la mayor pericia que hay que hacer en una composición asimétrica es equilibrar las masas para que la imagen no aparezca descompensada.

Por ejemplo si nos encontramos al dividir por un eje central la fotografía con que uno de los lados tiene mucha más masa que el otro, la imagen estará descompensada a no ser que en el lado con menos masa se encuentre un sujeto que contrarreste el centro de gravedad ya sea la colocación del sol o un pájaro sujetos que por desplazar el centro de atención que no la masa equilibrará la imagen

El fotógrafo de la naturaleza es un artesano del orden usando como materia
prima el caos.

Todo lo que he pretendido es arrancarle al infinito una armonía finita


EL ESPACIO POSITIVO Y EL NEGATIVO


”Cuando la ausencia puede ser la forma más rotunda de presencia”

El espacio puede ser (+) ó (-) . El espacio (+) es la presencia de la materia visible y el (-) los vacios entorno a la materia visible

Por ejemplo sí queremos fotografiar un pájaro el espacio (+) es el pájaro y el (–) es el cielo.

Los occidentales no solemos fijarnos mucho en este espacio vacío que envuelve las cosas pero en los países orientales lo perciben de un modo especial, a este espacio (–) lo llaman Ma.

En la composición de una imagen tan importante es el positivo como el negativo, el motivo central como su entorno, hay que buscar un equilibrio entre ambos sin que ninguno de los dos succione al otro.

El espacio negativo es el que crea en la imagen la sensación de ingravidez de liviandad, para que una imagen flote hay que vaciarla.

Los espacios negativos no siempre tienen por que ser un inmenso cielo que envuelve aún pájaro, puede ser un pequeño orificio en una roca que será la causante de que la fotografía de una pesada roca puede resultar una imagen liviana.

La niebla constituye el espacio negativo de la imagen, el espacio
vacío aunque en estas imágenes resulta muy difícil precisar la línea que separa al espacio (+) del (–) son líneas difusas en continuo movimiento, no podemos concretar donde comienza la ausencia y donde termina la presencia, no sabemos dónde terminamos de ver las formas y donde solo las intuimos. Suelen ser cambios muy sutiles que se presentan de una forma vaga y gradual no es una separación clara y brusca sino suave y confusa.




LA MATERIA ESENCIALMENTE ES VACIO


Si un átomo tuviese las dimensiones de un edificio de 5 pisos, su núcleo tendría el tamaño de un grano de sal y los ligeros electrones que giran a su alrededor serían como motas de polvo, el resto es vacío.

“Si el núcleo atómico poseyera el tamaño de una naranja, el cortejo de electrones giraría en órbita a unos 10 kilómetros de distancia. Entre ambos reinaría el vacío absoluto.” Michel Claessens.

El universo esta también completamente vacío.

“Todas las estrellas se desplazan en el espacio como bolas de una impresionante partida de billar cósmicos reducimos Alfa de Centauro y la estrella de Barnard a la escala de bolas de billar y a-
Añadimos el sol (para jugar una partida de tres bolas), estas estrellas se desplazarían en una mesa de más de 2000 kilómetros de longitud. En esta mesa la bola Bernard se desplazaría a un milímetro por hora” Michel Claessens.

“Supongamos que nuestra tierra, el sol tuviese el tamaño de una naranja. La tierra sería entonces una partícula milimétrica que giraría en torno a ella a veinte metros de distancia. En esa misma escala las estrellas más cercanas estarían situadas a diez mil kilómetros de distancia. Este ejemplo nos permite hacernos una idea de lo disperso que esta la materia en una galaxia como la nuestra. Pero aún así las galaxias son altas concentraciones de estrellas. Si todas las estrellas de todas las galaxias estuvieran dispersas de manera más o menos uniforme a lo largo y ancho de espacio intergaláctico, cada estrella estaría de su vecina más próxima a una distancia varios cientos de veces mayor de lo que está en el interior de una galaxia normal, o lo que es lo mismo cada naranja estaría a millones de kilómetros de sus vecinas más próxi-
mas.”Martin Rees

“Si todas las estrellas se deshicieran y sus átomos se dispersaran de manera uniforme por todo el universo, tendríamos solo un átomo en cada 10 metros cúbicos, es un valor mucho más cercano al vacío perfecto del que jamás podrá obtenerse experimentalmente en la tierra.” Martin Rees.

Las galaxias son como los núcleos de los átomos, insignificantes distorsiones en la inmensidad homogénea del vacío cósmico.
Si pudiésemos comprimir toda la materia que existe en la tierra esta no ocuparía un volumen mayor que el de un balón de fútbol.

Otra demostración de la vacuidad de la materia es que existen partículas como el neutrino, con una masa muy débil que atraviesan la tierra a la velocidad de la luz sin experimentar la menor interacción, podría atravesar una plancha de plomo con un espesor de un año luz.

EL ESPACIO INTIMO

“Por todos los seres se despliega el espacio único, el espacio intimo en el mundo” Rilke

Quiero volver a encerrar las perlas en las ostras

El lugar eres tú

El espacio íntimo crea nuevos parámetros, nuevos
espacios ajenos a la realidad de los cuales se ha extraído.
No es la parte de otro espacio mayor, si no que es ajeno a
cualquier espacio que no sea el mismo.

Hay espacio íntimo cuando el espacio deja de ser real para convertirse en una introspección del artista.
 
¡Extrovertidas ventanas!
Prefiero la intimidad de los espejos.

Busco el encuadre, donde el espacio ya no sea real sino sutil,
una extensión sutil y poética de la forma, el espacio íntimo

El vacío creado alrededor de la forma la aísla, la hace única.
Busco el espacio íntimo que rodea a una forma, no el espacio real sino el poético

Se trata de su propio espacio que no comparte con nadie más.

De que el espacio sea cómplice de la forma no ajeno a ella, de que de algún modo sea la prolongación de ella.

Lo intimo es lo que está separado del , lo que solo se pertenece a sí mismo y no está expuesto a lo demás.

Este espacio poético se caracteriza por anular la relevancia de los limites.

La forma envuelta en un espacio íntimo está completamente encerrada en sí misma.

Se basta a sí misma.

LA CARGA POÉTICA (LA SOLEDAD)

Para mí la fotografía no es solo presencia también es ausencia.

A cada presencia le corresponde su ausencia a cada forma su vacío y sin este la forma no está completa.

El vacío hace sublime a la forma, y el contraste entre ambas es lo que le dará a la imagen una carga poética.

Al igual que no se entiende la poesía sin el trasfondo de la desaparición, de la muerte tampoco se puede entender la poesía en la imagen sin el trasfondo del vacío, de la ausencia, de la nada.

LO SUTIL

“Lo profundo es el aire” Jorge Guillén
Quiero con rocas construir viento
Todo lo sólido se disipa en el aire
Lo sutil no está ni en el vacio ni en la forma, sino en la transición
Busco el fósil de una pompa de jabón
Quiero entrelazar lo visible con lo invisible
Ni existencia ni no existencia sino ambas a la vez
Quiero con hielos construir nubes
Los hielos reflejados en el agua se suavizan.
Sin aristas se vuelven sutiles, ingrávidos
Las formas se vuelven sutiles en el agua, evanescentes, etéreas.
Los reflejos como todo lo sutil sugiere


LO ABSOLTO


Lo absoluto nunca es una parte sino un todo.

Un todo es lo que se contiene totalmente así mismo.

Lo absoluto no se puede medir, no tiene medida, no tiene principio ni final, ni empieza ni acaba. No está condicionado por nada

En todas sus direcciones ilimitado.

Ejemplo de lo absoluto sería el mar.

La costa son los lugares del mar,
el mar por si mismo espacio y ningún lugar

No vislumbro en el mar ningún límite que lo haga vulnerable

Cuando navegamos en alta mar nos encontramos en medio de un absoluto, no tenemos la referencia, el límite de la costa; ¿Cambiaría en algo nuestra impresión de inmensidad si viésemos el doble o el triple de mar

Aunque no todo el mar esté, está, porque lo que vemos no es un espacio de mar sino su esencia, su identidad.

Cualquier parte de lo homogéneo simboliza a la totalidad

Lo absoluto un todo en si mismo, la unidad


EL HORIZONTE

Símbolo del espacio como absoluto

Sintetizar es aproximar la forma al vacío.

El horizonte por ejemplo es la imagen por excelencia del infinito y no es acaso el horizonte (la línea es la máxima síntesis de la forma) la máxima aproximación de la forma al vacío.


DOS ABSOLUTOS SE UNEN

De día el horizonte del mar está en nuestros ojos, de noche en nuestros oídos
La oscuridad es cómplice del mar, dos absolutos se unen

LO SUBLIME

“La grandeza produce placer. Incluso cuando es terrorífica y amenazante.
Todo lo que es de algún modo terrible es una fuente de lo sublime;
esto es produce la emoción más fuerte que la mente es capaz de sentir.
Sin una fuerte impresión nada puede ser sublime” Edmund Burke
¿Cual es el limite del silencio?
¿Cuál es el límite de la soledad?
Lo sublime nos lo da la ausencia de limites
Frente a la limitación de lo bello, lo sublime nos lleva a lo ilimitado
Kant identifica “lo sublime con lo grande y lo bello con lo pequeño”
“Lo bello en la naturaleza se refiere a la forma, lo sublime en cambio, puede contraerse en un objeto sin forma en cuanto en él es representada la ausencia de límites.” Inmanuel Kant

LA OSCURIDAD


"La oscuridad es más capaz de producir ideas sublimes que la luz! Burke.

¡Qué mejor vacío que la oscuridad!

Una imagen en la que predomine la oscuridad sobre la luz, una imagen en que la luz está completamente en vuelta por la oscuridad
No solo contiene una enorme carga poética, sino que nos hace percibir en ella el vacío.

En la oscuridad no existen los límites por eso nos reconfortan tanto las estrellas porque cada una es para nosotros una referencia, un límite.

La oscuridad que envuelve a un trozo de luz sobre la cual se intuyen las ramas de un árbol encierra a la imagen totalmente en sí misma, la aísla de cualquier otro espacio como si fuera de ella no existiese nada más, la hace absoluta, suprimiéndole los limites de ser parte de un mundo exterior. No se interrumpe ninguna continuidad.

Nadie se pregunta que hay más allá de una imagen envuelta en la oscuridad. Obviamente más oscuridad. Nadie se hace una pregunta si ya sabe la respuesta

Es como estar en un cuarto a oscuras; para que queremos más
Oscuridad si la que hay ya es para nosotros absoluta si la que hay ya comprende a toda la oscuridad.

Si es oscuridad ni es menos ni es más, es absoluta.

La oscuridad nunca es parte sino un todo.

“El negro suena interiormente como la nada sin posibilidades,
como la nada muerta después de apagarse el sol,
Como un silencio eterno sin futuro y sin esperanza.
El negro es algo apagado, como una hoguera quemada;
algo inmóvil como un cadáver, insensible a los acontecimientos e indiferente.”
Kandinsky
“La claridad es buena para convencer, pero no vale nada para emocionarnos y además perjudica todo entusiasmo” Diderot
“Las tinieblas inspiran ideas más sublimes que la luz” Burke


MATERIA Y ENENRGIA


Me interesa lo visible como soporte de lo invisible, la materia como soporte de la energía.

No quiero captar el árbol sino la fuerza que lo empuja a ser. No quiero captar las nubes sino la soberanía sobre las que ellas ejerce el viento.

El árbol da testimonio del dinamismo de la vida, las nubes dan testimonio del dinamismo del viento


LA LUZ


"Con el tiempo comenzó a darse cuenta que era la luz lo que fotografiaba no los objetos. Los objetos eran meros vehículos para reflejar la luz. Si la luz era buena siempre podría encontrar algo que fotografiar" Robert Kincaid

“Los poetas usan las palabras los fotógrafos la luz”

El ambiente que refleja y transmite una imagen se debe a la iluminación más que a cualquier otra cosa.

La iluminación natural directa puede ser frontal, lateral, posterior y cenital. Con la iluminación frontal (el sol a la espalda del fotógrafo)
Las fotografías resultan planas, sin relieve debido a la falta de sombras. La luz lateral, por contra proporcionará un efecto más tridimensional, ideal para realzar texturas de escaso relieve. La iluminación posterior, el famoso contraluz, es ideal para crear siluetas y crear halos de luz que permitan que el sujeto resalte de su entorno inmediato. La iluminación cenital la que se da cuando el sol esta alto crea fuertes sombras de desagradable efecto y da un tono azulado a las fotografías que solo pueden eliminarse mediante un filtro corrector (polarizador)

La luz va variando de intensidad, ángulo y tonalidad a lo largo del día y a lo largo de las estaciones. En otoño, invierno e inicio de la primavera la buena luz durará casi todo el día en verano la calima la hace más difusa, menos diáfana y no es recomendable durante esta época hacer fotos al mediodía.

Las situaciones de nubosidad, neblina y tiempo gris restan interés,
al quedar apagados los colores de los objetos y resultar difuminadas sus formas por la falta de relieve de las sombras produciendo una iluminación muy plana.

La luz solar fuerte y vertical sobre todo la del verano producirá colores muy saturados y también creará una sensación plana.

Pero con la luz del alba y del crepúsculo, las texturas más sutiles emergen de las sombras. Son a estas horas cuando más cálida será la luz, más limpia estará la atmósfera y mayor relieve
y volumen proporcionará las largas sombras.

Son estas luces primeras y últimas las que ayudan a describir el volumen y el carácter tridimensional del sujeto de una fotografía.

Al regular la luz mediante el uso de la velocidad del obturador y la abertura del diafragma, el fotógrafo está ejerciendo el control sobre uno de los aspectos creativos más importantes de la fotografía.

Si recibe la cantidad correcta de luz, la fotografía mostrará al sujeto con los colores y tonalidades correctas, así como con el máximo detalle. Pero si recibe demasiada luz(sobreexposición) la imagen resultará ser pálida, descolorida y sin definición; si en cambio recibe demasiada poca luz (subexposición), será oscura y con los colores apagados.


EL CONTRALUZ

Lo que provoca que las imágenes de los contraluces nos resulten tan enigmáticas se debe al hecho de que no dominamos lo que vemos, las siluetas negras no nos ofrecen suficiente información.

Nuestra incertidumbre deja margen a nuestra imaginación a nuestro mundo interior.

De una fotografía donde todo se vea con nitidez no podemos evadirnos de la realidad.

El contraluz nos evoca mundos oníricos, alegóricos, más propios de las evanescencias de nuestros sueños que de la naturaleza real.

Mundos de fábula y fantasía que acortan la distancia entre la materia y el espiritú, entre la naturaleza y nosotros

El negro es la negación del color

La silueta tendrá todo el protagonismo al no haber ningún otro elemento que se lo reste.

Como afirma Van Der Rohe “Busco una forma intensa más que extensa” Renunciar a la extensión del color, del volumen y de la textura para ganar en una silueta intensa.

Una vez más la síntesis potencia la imagen

Son propicias para llevar a contraluz los árboles solitarios sobre todo en invierno cuando las ramas están desnudas y la silueta del árbol se encuentra en su ,máxima síntesis.

Cuanto más retorcidas estén estas ramas desnudas más expresividad tendrán.

Un tipo de silueta espectacular es la que se logra cuando el sol queda detrás del sujeto.

El contraluz también es ideal para fotografiar motivos traslúcidos como pueden ser las hojas de los árboles.

(Técnica)

Para que el sujeto quede negro el contraste de luz entre él y el fondo debe ser de unos tres diafragmas.

Nunca mediremos la luz en el sujeto, siempre en el fondo


EL COLOR


“El color es el esfuerzo de la materia por querer ser la luz” D´Anunzio

”El color es una necesidad vital es una materia prima indispensable para la vida como el agua o el fuego” Leger

“El color no es sino el resultado de la interacción de la luz con la materia; no es solo una propiedad de los objetos sino también de la luz que se proyecta sobre ellos. La manifestación más llamativa de que la luz del sol contiene colores es el arco iris.” John Hedgecoe

La luz y la materia en el color convergen plásticamente se unen.

El color simboliza a la materia descomponiéndose en luz, cuanto más potenciado este por la luz más lo parecerá.

El color acentúa la naturaleza, la afianza, la potencia nunca la distorsiona. La reafirma en sí misma.

Reconocemos las cosas antes por la forma que por el color.

Será difícil romper esta inercia y fijarnos antes en los colores que en las formas, pero el cambio de prioridades tendrá su recompensa.

El color debemos convertirlo en un tema central por sí mismo en las fotografías y no en una cuestión accidental.

El color intensifica la realidad, cuanto más color más presencia.

Los colores primarios el azul, el amarillo, el rojo, sobre todo este último, atraen inmediatamente la mirada del espectador, la imantan

El color es siempre afirmación

(Volcan pinatubo)

El agua es incolora, en este caso es azul por que contiene azufre

El color solo se mantiene constante con una luz igualmente constante pero esto en un exterior es imposible, los colores cambian de minuto en minuto a medida que el cielo se despeja o se oscurece, a medida que la tierra se calienta por la mañana o se enfría al caer la tarde.

Una de las ventajas de pertenecer a la familia de los primates es contar con una buena visión del color fue producto de la evolución, con el fin de ayudarnos a reconocer las frutas maduras.

El máximo impacto cromático que puede causar una fotografía se produce cuando dos colores complementarios se encuentran uno junto al otro.

Se puede acentuar la sensación de profundidad de una escena introduciendo en primer plano colores cálidos (rojo, naranja, amarillo, marrón), mientras en las partes más distantes aprovechar los colores más fríos ( azul, gris) Parece ser que los rojos tienden a avanzar hacia el observador mientras que los azules retroceden. Un objeto de color rojo parece estar siempre más próximo que uno azul que se encuentre a la misma distancia.

Además el azul transmite una sensación de frío y de calma.

Mientras que el rojo y el naranja representan al calor y la excitación.

Los sujetos de colores vivos son percibidos inmediatamente por el ojo de ahí que halle que decantarse por enfocar perfectos estos en detrimento de otros.

Los colores con mayor contraste entre sí son el rojo, amarillo, verde y azul. Que mejor contraste que entre un azul y un amarillo.

El color es siempre afirmación.

“Solo por los colores merecería la pena vivir eternamente” Elias Canetti

ELEMENTOS CLIMATOLÓGICOS

Los fenómenos atmosféricos, sobre todo los más violentos: las tormentas, el viento, son espectáculos por sí mismos; aprovecharlos para potenciar una imagen como el color potencia a la flor.

Aunque hay otros espectáculos menos violentos como son la niebla, el rocío, la nieve, que son muy plásticos y muy fotogénicos


TORMENTA.

Cuanto más violento el espectáculo, más energético

Las imágenes de tormenta tienen vigor, dinamismo, resultan poderosas energéticas. Qué mejor que aprovechar su dramática fuerza para potenciar una imagen como el color potencia a la flor

La fotografía persigue siempre la captación de un instante irrepetible en el tiempo y no hay plasmación más tangible del instante que la imagen de un rayo.

Para capturar los rayos se requerirá de un trípode y un cable disparador. Lo mejor es trabajar de noche y con poca luz, ya que entonces es posible mantener el obturador abierto durante más tiempo y es más fácil que varios rayos coincidan en la misma exposición.

Lo primero que hay que hacer es enfocar la cámara al sitio en el que con más frecuencia caen los rayos, abarcando una gran parte del cielo para que así halla más posibilidades de captar el rayo.

Cuando el intervalo entre los rayos sea de 5 segundos lo mejor es recoger el equipo y guarecerse en el coche, desde donde se podrá seguir haciendo fotos con el cable del disparador

Por otra parte la tormenta no solo son rayos también podemos fotografiar los maravillosos contrastes que se crean cuando entre las nubes sale el sol. De espaldas al sol y con la tormenta enfrente
nos encontramos en una maravillosa situación para realizar fotografías produciéndose un elevado número de contrastes en la escena.

Una luz eléctrica implica colores electrizantes que provocan atmosferas energéticas


VIENTO


Con el viento captamos energía muy plásticamente a través del movimiento de la materia

El viento es un elemento dramático en la naturaleza tanto como lo puede ser una tormenta y más corriente.

Para detener el movimiento será necesaria una velocidad de obturación rápida pero quizá con velocidades lentas de 1/20 1/30 aumentaremos la sensación de movimiento creando un efecto de borrosidad, será una imagen más dinámica y reflejará mejor al viento


NUBES

Las nubes en constante formación y disipación nos ofrecen una infinita variedad de formas cuanto más caprichosas sean más sensación de instantaneidad causarán.

Un cielo azul refleja un instante indefinido.
Es la singularidad de una nube lo que lo define.

Cada nube rompe la simetría del azul


NIEBLA:


Los bancos de niebla densos y estáticos son poco atractivos de fotografiar a menos que se vean formas bien definidas que nos sirvan de contrastes

La niebla hace a la imagen más hermética, le da una proyección intimista. Cierra el espacio, lo envuelve todo sobre sí misma, crea espacios íntimos.

La niebla reduce los contrastes.

La niebla es un fondo móvil distorsionador de formas

Crea atmósferas densas, enigmáticas, cargadas de magia que lo enrarecen todo. El misterio se vuelve espeso, corpóreo.

Resulta muy sugestiva para la fotografía creativa por que continuamente la estamos viendo moldeando

La división entre el fondo y las formas nunca aparecerá nítida y bien delineada. No será brusca ni clara sino gradual y confusa.

Nunca se separan del todo, se funden en una unidad.

Las formas ni son ni no son, las vemos deambular de la presencia a la ausencia, de la ausencia a la presencia

La niebla manipula las formas, sus ausencias, sus presencias.

Con la niebla todas las líneas nos aparecen difusas, sutiles, siendo para el fotógrafo artístico un autentico paraíso en el que se multiplican sus posibilidades creativas

Nos aleja de la realidad y nos acerca a un mundo de ensoñaciones, le da a las formas un aspecto fantasmagórico proclive para despertar las fantasías del espectador, nos aleja de lo tangible y nos acerca a lo imaginario.

La niebla tiene por sí misma una carga poética propia

La perspectiva de paisajes con niebla aumenta con la reducción de los detalles, de los colores y de las tonalidades del fondo sobre todo si se incluyen objetos bien definidos en primer plano con los que contrastar ese fondo.

Cuando la niebla se retira dejando pasar al sol es cuando adquiere más luminosidad.

Los gruesos mantos estáticos son menos interesantes, a menos que se vean formas bien definidas.


NIEVE


La nieve no cabe duda es un elemento muy fotogénico, que otorga a los paisajes un poso de serenidad, de candidez, tiene algo romántico que los fotógrafos encuentran irresistible.

La nieve puede alterar completamente, y suele hacerlo, las características de una escena. Introduce la uniformidad, simplifica, oculta una gran cantidad de tonos y formas conflictivas que ayuda a encontrar imágenes simples, estéticas y armónicas. La nieve unifica, uniformiza, homogeneíza, y todo lo que ayuda a unir ayuda a la armonía.

Fotografiar paisajes nevados bajo una intensa luz solar es bastante complicado, es preferible trabajar en las condiciones propias de un día densamente nublado.

Aunque lo ideal para fotografiar la nieve es hacerlo justo después de la nevada.

Si la fotografía la realizamos mientras nieva debemos de utilizar una velocidad media de obturación de 1/30. A velocidades más lentas los copos desaparecen y por contra a velocidades más rápidas se verán como puntos inmóviles

La nieve como la niebla crea mundos mágicos, oníricos.

La nieve; una niebla que se ha hecho sólida.


ESCARCHA

La escarcha resulta espacialmente atractiva en la fotografía de los primeros planos, al añadir detalle a las superficies con escasa textura.

Con el rocío al igual que con el contraluz acentúa la silueta. Para ello suele ser muy útil intensificar el azul del cielo para que haya un mayor contraste de colores.

Cielo azul intenso: Diafragma muy cerrado f22 y velocidad de 30-90


EL AGUA

“Cada hora que pasa es más joven” Rilke

El agua como la niebla son elementos de fuga hacia mundos más fantasiosos, en sus magias nos aprisionan, nos retienen como fotógrafos

Hemos visto la utilidad del agua para crear composiciones abstractas, simples, fondos estéticos, espacios negativos

El agua se presta muy bien para crear la sensación de vacío.

Para congelar el movimiento del agua hay que usar un tiempo rápido mínimo (1/250 seg.) Para reflejar el movimiento se debe seleccionar un tiempo más largo (1/30seg.) Hay que tener en cuenta que el ojo humano ve los objetos a 1/60seg.

Aunque si lo que queremos es un efecto mágico con exposiciones de ½ segundos o más el agua pierde por completo su forma y se transforma en un elemento etéreo e irreal, adquiriendo una textura vaporosa.

Cuando se fotografían grandes extensiones de agua, y en especial si tiene un tono bastante uniforme, su aspecto puede resultar muy bidimensional. Resultará entonces muy útil incluir detalles en primer plano dándole a la imagen suficiente profundidad entre los primeros planos y los más alejados.

El agua en sí no tiene ningún color. Es un prisma incoloro y traslucido sobre el que se proyecta la luz y el color.

Un picado completamente vertical desde un puente es un sitio ideal para fotografiar el agua de un río, evitaremos refracciones y nos saldrá con una gran nitidez.


EL CIELO


El cielo es una fuente constante de inspiración para el fotógrafo de la naturaleza

Las nubes en constante formación y disipación ofrecen una variedad infinita de formas, cuanto más caprichosas sean estas
más propicias para fotografiar por que más reflejaran lo que en esencia es la fotografía, el instante. Las nubes son infatigables constructoras de instantes.

La naturaleza está llena de caprichos se trata de saber aprovecharlos.

Nubes que en los amaneceres o atardeceres adquieren colores rojos, anaranjados de una gran intensidad dotando a las imágenes de una gran fuerza impactante.

No se deben utilizar filtros de corrección durante el crepúsculo pues se perdería todo el encanto.


FANTASIA

En las azarosas nubes, en los perfiles del hielo, en las escultóricas rocas
¿Quién no ha visto en la naturaleza formas que nos sugieren y nos recuerdan otras?
Los caprichos son infinitos
El azar es pura fantasía
“La contemplación de la naturaleza ha llegado a convencerme que nada de lo que podamos imaginarnos es increíble” Plinio el Viejo



ZEN

El zen es uno de los resultados del contacto de la mentalidad China con el pensamiento Indio, introducido en China en el siglo I d.de.C. por medio de las enseñanzas Budistas.



LA ESTETICA ZEN:


El zen tiene una visión intimista de la naturaleza. Busca su valor artístico, poético y emocional.

Persigue la sencillez, la poesía frente a la prosa, lo intuido frente a lo razonado, el espíritu frente a la materia.

Se recrea en los detalles, la caña de Bambú quebrada, los remolinos de agua entre las piedras de un rio, el rocío posado entre las ramas.

Se detiene en lo frágil. Todo lo que trasmite fragilidad, trasmite misterio.

La estética zen es muy agradecida para la fotografía de la naturaleza, te educa para la síntesis tan necesaria para lograr imágenes limpias con pocos elementos, que nos resultarán más fáciles de ordenar. Te enseña a prescindir de lo superfluo y aquedarte con la esencia.





EL ARTISTA ZEN


Los maestros Zen es posible que no sean buenos filósofos, pero suelen ser primorosos artistas.

No se trata de copiar o de imitar a la naturaleza sino de conferir a la obra un hálito de vida.

Te puedes pasar 10 años dibujando bambúes adquiriendo una técnica depuradísima, pero nunca harás nada si té falta la inspiración que es la que atrapa el espíritu.

Muévete con el rítmico movimiento del espíritu que reside tanto en la hoja como en ti.

El artista zen no solo trata de pintar el objeto sino de reflejar su espíritu.

Solo lo que procede de su ser interior lo puede reclamar como verdaderamente suyo.

La mente oriental es intuitiva, mientras que la mente occidental es lógica y discursiva.

La idea de que la verdad última de las cosas se debe captar intuitivamente y no conceptualmente es lo que el zen ha aportado para el cultivo de la sensibilidad artística del pueblo japonés.

El zen puede quemar todas las estatuas sagradas del templo para calentarse en una noche fría de invierno, el zen puede destruir toda la literatura que contienen sus legados, pero nunca se olvidará de adorar el desencadena - miento de la tormenta o la humilde hoja de hierba manchada por el barro.

Los japoneses utilizan el término “shibui” para describir esa rara perfección y elegancia que puede sugerir un muro de bambú cubierto de musgo, las gotas de los pinos tras la lluvia, una simple pieza de cerámica “raku” con una pequeña imperfección que la hace única. D.T. Suzuki



El ZEN UNA VISIÓN MÍSTICA DE LA NATURALEZA.


“El zen evita la profusión de ideas y de sistemas filosóficos por el contrario se queda plenamente satisfecho con la contemplación mística de la naturaleza y sentirse a gusto con el mundo que nos rodea es lo verdaderamente inspirador.

El occidental tiene una visión de la naturaleza como de algo que hay que conquistar. Visión que procede probablemente del Helenismo que hace a la tierra servidora del hombre y se supone que los vientos y el mar deben obedecerle. También el judaísmo
Contribuye a esta visión.

En oriente sin embargo esta idea nunca ha tenido vigencia.
Para nosotros la naturaleza nunca ha sido hostil, nunca la hemos concebido como un poder opuesto o enfrentado a nosotros. La idea
de conquista es aborrecible.” D.T.Suzuki.



EL MISTERIO


“La experiencia más bella que podemos tener es la del misterio. Es la emoción fundamental que se encuentra en la cuna del verdadero arte y de la verdadera ciencia.” Albert Einstein

“Los misterios de la vida en toda su profundidad forman parte del arte.

Cuando un arte refleja dichos misterios de un modo profundo y creativo remueve hasta lo más hondo de nuestro ser y se transforma en obra divina.

La vida está llena de misterios y donde haya un sentimiento de lo misterioso podemos decir que hay zen.

El verdadero artista como el maestro zen es aquel que sabe como apreciar el misterio de las cosas.

Donde la energía creadora es percibida, el arte respira misterio.

A este misterio lo denominan los japoneses como yugueny significa lo nebuloso, lo vago, lo impenetrable.

Es por lo tanto algo que está más allá del análisis intelectual, incognoscible pero que no significa tinieblas. Algo que aunque este ahí no puede estar sujeto a una definición tajante.

Sentimos su presencia, es algo que sentimos dentro de nosotros mismos.

Nos transmite un sentimiento totalizador y englobante.

Nebulosidad, oscuridad e indefinibilidad son sus características esenciales; es como una fuente abstracta de todas las cosas pero que podemos sentir de una forma concreta como un destello de lo insondable.


TODO ES UNO Y LO MISMO

“El zen nos enseña “uno en todo y todo en uno”, no como concepto sino como intuición” DT Suzuki

“Para el zen eres el universo y el universo eres tú. Todo está interconectado y todo depende de lo demás.

La fuerza vital de todo cuanto existe en el universo – ya sea una montaña, un río, un árbol, una planta, son una y la misma cosa”. Michael Paul


La naturaleza es una sola voluntad con infinitas formas.

Como dijo Emerson:

“Una nube que cambia incesantemente y que siempre es la misma.”



WEB: javiersanzfotografia.com



























































Javiersanz12 de enero de 2015

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